ZAPPA

70 años de Frank Zappa


Este mes de diciembre, el gran jefe freaky hubiera alcanzado las siete décadas de vida. Por desgracia, el cáncer se lo llevó en 1993 y desde entonces muchos no hemos dejado de extrañarlo.

1. Una de las imágenes más duras que recuerdo haber visto es la de la última entrevista que concedió Frank Zappa, cuando ya estaba muy consumido por el cáncer de próstata que lo aquejaba. En la pantalla aparecía un hombre irreconocible, agobiado, extremadamente delgado y acabado, con la voz gastada y sin una sola traza de lo que este vitalísimo genio de la música y la ironía había sido a lo largo de varias décadas. Se notaba triste ante la certeza de su inminente deceso. Seguro lo angustiaba la muerte, pero también el saber que todavía le quedaban tantas cosas por hacer.



2. Creo que fue Xavier Velasco el que alguna vez escribió (palabras más, palabras menos) que si uno tenía una colección de discos de Zappa y decidía casarse, tendría que resignarse a no volver a escucharla, al menos hasta que llegara el divorcio (cosa que pude comprobar personalmente mientras duró mi matrimonio). Esta idea de que a las mujeres no les entra la música del autor de álbumes como Freak Out y We’re Only in It for the Money durante años no me pareció del todo errada. Sin embargo, a últimas fechas me he topado con mujeres jóvenes (básicamente veinteañeras) que no sólo dicen que les gusta Frank Zappa (lo cual podría ser una pose o una forma de querer quedar bien), sino que en verdad conocen buena parte de su obra, lo cual me parece todavía un poco irreal…, aunque ciertamente maravilloso.



3. Algo que siempre me brincó de Zappa es su rechazo a los libros. Así, de plano. No le gustaba leer y llegó a declararlo abierta y llanamente. Como gran amante de la literatura, no deja de hacerme ruido que un hombre de genio, capaz de levantar un edificio musical tan monumental y tan lleno de riqueza artística, haya despreciado con olímpico desdén a los humildes libros. Esto a pesar de los muchos volúmenes que se escribieron acerca de su vida y su producción discográfica, entre ellos su divertidísima autobiografía The Real Frank Zappa Book.



4. Frank Zappa nunca escribió una canción de amor. Jamás hizo letras de esas que la gente convencional llama “románticas”. “Hay más canciones de amor que otra cosa”, decía. “Si esas canciones pudieran influir en algo, nos amaríamos los unos a los otros”. En realidad, se burlaba sarcásticamente de esa clase de temas. En cambio (y qué bueno) compuso muchísimas y muy jocosas canciones sobre sexo (desde “Titties & Beer” y “Catholic Girls”, hasta “Dirty Love” y “Take Your Clothes Off When You Dance”).



5. Enorme guitarrista, conocía perfectamente cuáles eran sus alcances y cuáles sus limitaciones. Cuando algún crítico de esos que nunca faltan escribió que era un ejecutante mediano, Zappa le respondió con la grabación de un álbum triple, instrumental, constituido exclusivamente por solos de guitarra. Shut Up ‘n Play Yer Guitar apareció en 1981 y aún hoy día sigue siendo un trabajo asombroso. No obstante, el tipo sabía muy bien qué era lo que podía tocar y qué lo que no. Por eso, para discos como You Are What You Is (1981), Ship Arriving Too Late to Save a Drowing Witch (1982) o The Man from Utopia (1983) escribió las partes de guitarra más intrincadas que uno pueda imaginar, las denominó “impossible guitar parts” o “strat abuse” e hizo que el entonces muy joven Steve Vai se encargara de ejecutarlas (esto a pesar de que cuando Vai conoció a Zappa, en 1979, le dijo: “Quiero tocar como tú”, a lo que el buen Frank le respondió: “Eso es imposible, eres demasiado joven”).



6. De los más de 60 discos que Frank Zappa grabó a lo largo de 27 años, el más despreciado por la crítica y por quienes se dicen connaisseurs es The Man from Utopia. Discrepo por completo. De hecho, es uno de mis álbumes consentidos de este nativo de Baltimore. Desconocido por la mayoría de quienes se dicen zappianos, contiene composiciones memorables por su intrincada construcción armónica, su variadísima rítmica y su aplastante y deliciosamente absurdo sentido del humor. Temas como “Cocaine Decisions”, “The Dangerous Kitchen” “The Man from Utopia Meets Mary Lou” y la indescriptible y guarrísima “Sex” están entre lo mejor que hizo Zappa desde la época del Absolutely Free (1967).



7. Frank Zappa nació hace 70 años (el 21 de diciembre de 1940) y murió hace 17 (el 4 de diciembre de 1993). Una de sus frases favoritas era: “El absurdo es la única realidad”. Vaya que el tiempo le ha dado la razón.



Hugo García Michel

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JIM MORRISON

Otorgan perdón póstumo a Morrison




El cantante estadunidense Jim Morrison, ex líder de The Doors y un ícono del rock, fallecido en 1971, recibió un perdón póstumo del estado de Florida ayer por una controvertida exhibición obscena por la que fue juzgado y condenado a prisión hace 40 años.






Un Consejo de Clemencia de Florida aprobó por unanimidad un pedido de perdón del gobernador Charlie Crist, que respondió a reclamos de fanáticos de The Doors para que el ex líder de la banda quedara limpio de cargos que él rechazaba y que nunca fueron probados tras su muerte.






“En este caso, culpable o inocente está en las manos de Dios, no en las nuestras. Es por eso que pido a mis colegas el perdón para Jim Morrison”, dijo el gobernador al presentar el planteamiento, que fue aprobado con votos favorables de los cuatro miembros del mencionado Consejo.






Morrison, nacido en Melbourne y quien un día antes que se conociera esta decisión habría cumplido 67 años, fue acusado de exhibir su pene, de profanar la moral pública y otros delitos durante un multitudinario concierto en 1969 en Coconut Groove, Miami, en el que actuó totalmente ebrio, según sus compañeros de banda.














Días después de aquel concierto, la policía emitió una orden de arresto por delitos de obscenidad pública contra el líder de The Doors, quien se entregó al FBI en Los Ángeles y se sometió a un juicio.






Con testimonios que negaban lo ocurrido y otros que lo confirmaban, un tribunal de Miami lo condenó a seis meses de prisión y trabajos forzados, pero el cantante apeló la condena y pagó una fianza de 50 mil dólares para evitar ir a la cárcel.






“La cárcel es un lugar muy feo”, dijo Morrison tras la sentencia a los reporteros que lo esperaron fuera de la corte aquel 30 de octubre de 1970.






AFP
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LENNON

Tres décadas sin Lennon






Organizan para recordarlo, en todo el mundo, conciertos y encuentros dedicados a él
















ana.bego.razon@gmail.com










Hoy se cumplen 30 años del fatídico suceso que le quitó la vida a John Lennon, un cantante y compositor inolvidable que durante varias generaciones ha servido de inspiración para decenas de músicos alrededor del mundo. A las 10:50 de la noche del 8 de diciembre de 1980, justo cuando Lennon volvía junto a su amada Yoko Ono a su departamento en el edificio Dakota de la ciudad de Nueva York, Mark David Chapman, quien era supuestamente su seguidor, le disparó cuatro veces en la espalda al Beatle, quien a pesar de haber sido llevado de inmediato al hospital Roosevelt fue declarado muerto minutos después.










Decenas de simpatizantes han viajado a Nueva York para visitar, a pesar de las bajas temperaturas, el famoso mosaico en blanco y negro que lleva la inscripción de “Imagine” (en honor a la conocida canción de John) en el espacio denominado Strawberry Fields dentro de Central Park, donde hoy se juntarán miles de personas a depositar arreglos florales y recordar al músico.










En Cuba, el parque que lleva el nombre del músico, ubicado en el barrio de Vedado, albergará esta tarde a muchos visitantes, quienes podrán disfrutar de un concierto-homenaje organizado tanto por el maestro Luis Manuel Molina como por el Instituto Cubano de la Música y el Ministerio de Cultura.










España, Chile y Perú, entre muchos países, se unirán al recuerdo del músico con muchos homenajes. Nosotros no podíamos quedarnos atrás y hoy el Museo de Cera de la Ciudad de México rendirá un tributo a partir de las 11 de la mañana al inolvidable músico y compositor. Asimismo, presentará las nuevas figuras de los integrantes de Los Beatles.










También, para conmemorar el aniversario luctuoso de Lennon, el próximo 10 de diciembre se estrenará en salas de cine de nuestro país la película Mi nombre es John Lennon, dirigida por Sam Taylor-Wood, filmada el año pasado en Reino Unido. La cinta trata sobre la historia nunca antes revelada de su vida y resalta la inteligencia y el humor del compositor de “Strawberry fields forever”.










Tiempos de John










1940










El 8 de diciembre, al mismo tiempo que sucedía un ataque aéreo alemán, John nació en el hospital materno de Liverpool.










1957










Interrumpir clases y ridiculizar a sus maestros fueron sus actividades favoritas en el Colegio de las Artes.










1958










Formó a Los Beatles y escribió su primera canción, “Hello, Little Girl”, tema que llegó al top 10 de GB cuando fue interpretado por The Fourmost.










1962










Lanzó con el cuarteto el primer single de la agrupación, ”Love me do”, y un año después grabaron su primer álbum: Please please me.










1964










Tras conquistar Gran Bretaña, The Beatles aparecieron en el show de Ed Sullivan. Se ganaron al público americano con su gira internacional.










1969










Lennon se casó con Yoko Ono, con quien grabó tres discos experimentales antes de separarse de Los Beatles.










1970










Publicó su álbum debut en solitario, John Lennon/Plastic Ono Band, y un año después lanzó Imagine.










1975










Decidió dejar su carrera de lado para dedicarse a su familia y en 1980 regresó a la escena musical con el sencillo “Just like starting over”. El 8 de diciembre de ese año fue asesinado al llegar a su departamento en NY.


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HOTEL

Guillermo Fadanelli, vicios y placeres de la urbe en Hotel DF


By frodriguez

Created 12/07/2010 - 00:54
La Ciudad de México, protagonista de su obra

Es una novela que busca reflejar “la fauna” que puebla la Ciudad de México, sobre todo el ir y venir de sus vicios y sus placeres, las historias íntimas y duales que existen en cada hotel.

Durante seis años Guillermo Fadanelli vivió en la calle de San Jerónimo, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, a una cuantas cuadras del Hotel Isabel; aunque nunca se hospedó en el lugar, lo convirtió en escenario de su más reciente novela: Hotel DF (Mondadori, 2010), porque le pareció el espacio ideal para concentrar la metáfora acerca de una ciudad ingobernable.



“Comencé la novela en Berlín, lo que me dio la distancia necesaria para poder escribir de una ciudad que me resulta al mismo tiempo adorable y repugnante. El Distrito Federal es un tema que no elegí, se me impuso, porque he vivido aquí toda mi vida y tengo un mapa psicológico personal de la ciudad.”



Es una novela que busca reflejar “la fauna” que puebla la Ciudad de México, sobre todo el ir y venir de sus vicios y sus placeres, las historias íntimas y duales que existen en cada hotel.



“No tiene dirección, es un tanto caótica, hay personajes de todo tipo: extranjeros que vienen a pasar unos días en el Hotel Isabel, delincuentes, artistas, periodistas…, personas cuyas vidas no son tan interesantes y no tendrían por qué haber sido narradas en una novela.”



Una sola historia en la que convergen muchas, al final metáfora del caos, de la malicia, del azar que definen a la urbe, al grado que el escritor espera que al terminar de leer la novela, el lector se sienta tan agobiado y tan agotado como si habitara la ciudad: que la ciudad se les caiga encima y la lleven sobre la espalda durante la lectura, es la apuesta de Guillermo Fadanelli, en Hotel DF.



Tras la supervivencia



Guillermo Fadanelli, autor de títulos como Compraré un rifle y Lodo, recuerda a Walter Benjamin al momento de definir las ciudades como un ente colectivo: un asilo de desterrados, en el que se vive al lado de personas que no sólo no conoces, sino tampoco quieres; se limitan las pasiones, los deseos o las ideas con tal de vivir en paz con el otro.



Sin embargo, el escritor es consciente de las dificultades de ofrecer una mirada completa de lo que representa el Distrito Federal, en particular en nuestro tiempo. “Tendría que ser una suma de voces que nos dé una idea, siempre lejana, de lo que es la Ciudad de México; esa mala broma de Dios, que es el Distrito Federal, en la novela dibujada desde mi personal perspectiva y vivencia, porque en ella puedes divagar, hundirte, puedes transformarla: es mi auscultación, el testimonio de mi vida en una ciudad”.



México. Jesús Alejo

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Jeff Beck

Jeff Beck un rockero ejemplar






Esta noche de lunes el irreductible guitarrista de rock, blues, soul y jazz se presenta en el Teatro Metropolitan al amparo de su leyenda.


Aquel niño británico nacido Geoffrey Arnold Beck en 1944, quedó cautivado desde pequeño por el jazz favorito de sus padres Arnold y Ethel. “Para ellos la música fue una fuente de alegría durante la guerra. La vida era difícil y la música los ayudaba a olvidar los problemas. Yo era un niño cuando el jazz se abrió paso en Inglaterra y aún recuerdo cómo me colaba a la sala para escuchar el radio”.

Su gusto musical lo llevó a la guitarra y comenzó a tocar en Londres. Intentó estudiar en el Wimbledon’s Art College, pero al final abandonó los estudios para concentrarse en la música. A los 20 años realizó su primera sesión musical con el blusero Screaming Lord Sutch y los Tridents, y para 1965 se inició la leyenda: ese año sustituyó a Eric Clapton como guitarrista principal de los memorables Yardbirds. Con Keith Relf, Chris Dreja, Paul Samwell-Smith y el propio Clapton en la alineación, el grupo era un exponente radical del rock duro y original inglés.Durante dos años Beck formó parte de los “pájaros del patio”, grabó dos de sus mejores discos y quedó inmortalizado en la película de Antonioni Blow Up, donde con Jimmy Page interpretó el tema “Stroll On” y, ante los problemas sonoros del equipo, terminó por destrozar su guitarra en el escenario.

En 1967 formó el Jeff Beck Group, acompañado por Rod Stewart en la voz y Ron Wood en el bajo; juntos grabaron los discos Truth (1968) y Beck Ola (1969) piedra de toque del rock británico. No obstante, el grupo se deshizo antes de 1970 y a lo largo de los años setenta Beck se vio forzado a rearmar una banda tras otra bajo su nombre. A mediados de la década comenzó una exploración más profunda del jazz en discos como Blow By Blow (1975) y Wired (1976). En los ochenta se dedicó a las sesiones de grabación: le gustaba trabajar en estudio para alcanzar refinados sonidos con su guitarra. Así grabó There and Back (1980) y con Flash (1985) ganó su primer Grammy por pieza de rock instrumental, premio que lo impulsó a volver, en 1989, con un nuevo disco y a obtener un nuevo Grammy, además de realizar conciertos en vivo junto con Stevie Ray Vaughan.

Los noventas consolidaron a Jeff Beck como uno de los mejores guitarristas de rock y jazz, al tiempo que sus discos se sofisticaban y lo convertían en un músico de culto, siempre trabajando alejado del mainsteram pero manteniendo la base de rock duro, blues, soul y jazz en discos como Crazy legs (1993) y Who else (1999). Con You Had It Coming, de 2001, obtuvo su tercer Grammy por la pieza “Dirty Mind”. A partir de entonces Beck recobró fuerza y espíritu para alcanzar discos memorables y retomar su camino de rockero ejemplar, empecinado en la perfección, en la música genuina lejos del mercado facilón. Luego del álbum Jeff de 2005, el músico inició una prolongada gira por Estados Unidos junto con B.B. King, lo que generó la grabación pirata Jeff Beck Live at B.B. King Blues Club, que le dio la fama suficiente para, luego de 15 años de ausencia, regresar en gira por Inglaterra, donde se presentó en todos los shows importantes de la televisión británica y recibió el reconocimiento de su público como un absoluto original.

Una veintena de discos amparan hoy su leyenda y su ingreso al Rock’n Roll Hall of Fame. Bech se mantiene fiel al blues y al virtuosísimo guitarrístico del rock pesado originario del metal, y así lo comprobaremos en su espectáculo de esta noche, y si bien su disco más reciente, Emotion & Commotion (2009), sostiene un ánimo más relajado, incluso con versiones instrumentales de “Over the Rainbow” y “Nessum Dorma” (aria final de la ópera Turandot) a su concierto llega con la fuerza de su guitarra pesada y sus con sonidos inconfundibles de rock, blues, jazz y soul, tal como lo vimos en la celebración de los 25 años del Salón de la Fama del Rock en diciembre de 2009.


Alejandro de la Garza

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EL DILEMA DE SIEMPRE

ERIC CLAPTON

Eric Clapton: negro de corazón






Con su nuevo disco, llamado simplemente Clapton, el legendario Mano Lenta demuestra que a sus 65 años podemos seguir llamándolo Dios.




2010-11-29•El Ángel Exterminador
La longeva, rica y propositiva carrera de Eric Clapton no se empata del todo con su vida personal, llena de vicisitudes, desgracias, accidentes y contradicciones. Sin embargo, tal vez sea precisamente por todo lo que ha tenido que padecer a lo largo de más de seis décadas que su expresión artística resulte tan genuina, pura, repleta de autenticidad y sentimiento. Tan llena de blues.










La vocación blusera de Clapton se remonta a sus primeros tiempos, cuando formaba parte de los Yardbirds a mediados de los años sesenta. Fue por el blues que el guitarrista abandonó a aquella banda legendaria, al negarse a dar un viraje hacia un pop más comercial, hacia lo que se conocía como la “Ola Inglesa”. El famoso Mano Lenta dejó al grupo para irse a tocar blues con John Mayall y sus Bluesbreakers. Su lugar en los Yardbirds quedó cubierto por un tipo llamado Jeff Beck, a quien poco después reemplazaría un músico de sesión de nombre Jimmy Page.










El blues marcó a toda una generación de músicos británicos de aquellos tiempos. Desde Alexis Korner hasta Graham Bond y desde Keith Richards hasta Peter Green, el género surgido a principios del siglo veinte en el sur profundo de Estados Unidos de América influyó mucho más a aquella caterva de adolescentes ingleses que a los propios jóvenes de Norteamérica, quienes durante la primera mitad de la década sesentera babeaban por baladistas pasteurizados como Neil Sedaka o Pat Boone.










Nadie que se llamara a sí mismo un estadunidense modelo había oído hablar jamás de nombres como los de Willie Dixon, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Jimmy Reed o Sonny Boy Williamson, por mencionar tan sólo a algunos de los más preclaros bluseros negros de esos días. En cambio, gracias a los discos que llegaban un tanto clandestinamente a los puertos de Reino Unido, muchos músicos imberbes de aquella isla escuchaban una y otra vez la seductora y demoniaca música de aquellos negros a los que se desconocía en su propio país y a quienes trataron de imitar con desesperación desde un principio.










Eric Patrick Clapton era uno de aquellos jovencitos de piel lechosa y casi transparente que en las neblinosas calles de Surrey, Inglaterra, aprendió a tocar la guitarra y a interpretar el blues. Ya en Londres y luego de su paso por los Yardbirds y los Bluesbreakers de Mayall, se unió en 1966 a Jack Bruce y Ginger Baker para formar al que se conocería como el primero supergrupo de la historia del rock: Cream.










Cream interpretaba una especie de rock psicodélico con hondas raíces en el blues (en su repertorio incluía temas de Robert Johnson y Willie Dixon). La lucha de egos y la intensidad de las giras, los conciertos y las drogas hicieron que el trío se separara en 1968 y luego de su paso por el efímero proyecto Blind Faith, a partir de 1970 Clapton inició una carrera como solista que dura hasta nuestros días (su estancia con Delaney and Bonnie and Friends fue como invitado y el grupo Derek and the Dominos al final resultó un intento frustrado).










En esos cuarenta años de carrera en solitario, el músico ha estado siempre cerca del blues y en más de una ocasión ha grabado álbumes plenamente bluseros. Discos como From the Craddle (1994), Riding with the King (2000, con B.B. King), Me and Mr Johnson (2004), Sessions for Robert J (2004) y el recientísimo Clapton (2010) son discos que prácticamente sólo contienen temas de blues, ya sea propios o de otros compositores.










Clapton es el primer disco de EC en cinco años, luego del mediocre Back Home de 2005 (tanto o más malito que el Pilgrim de 1998). Para fortuna del guitarrista, ahí están el blues y la música de raíces para revivificarlo y con el nuevo plato ha recobrado su ímpetu para ofrecer una colección de viejos temas de blues, country, rhythm and blues y hasta un par de standards (“How Deep Is the Ocean” y “Las hojas muertas”).










Con colaboraciones de gente como Allen Toussaint, Wynton Marsalis, Sheryl Crow, Steve Windwood y algunos miembros de la Preservation Hall Jazz Band, Clapton nos regala catorce canciones imperdibles de compositores como Fats Waller, Hoagy Carmichael, Irving Berlin, Jacques Prévert y J.J. Cale, entre otros. Cierto que no están los clásicos del blues, pero eso ayuda a que el músico evite el lugar común y nos sorprenda con un trabajo sobrio, elegante, ecléctico, esplendoroso, más cercano esta vez a Nueva Orleans que al Delta del Mississippi. Un álbum magnífico.










Hugo García Michel

TUBO

Gana rusa primer torneo de tubo






Hace algunas noches se celebró la final del Concurso Erótica de Tubo Profesional, evento que en algunas ciudades de Estados Unidos ya es una tradición, pero que en estas latitudes se celebró por vez primera en la pista del legendario Solid Gold. Aquí los detalles del encuentro que ganó una rusa de personalidad darketa.




Al cinco para la media noche, ingreso al club de la calle Londres y subo las escaleras con la misma urgencia de cuando se llega a un estadio con el partido iniciado. En cuanto puedo, localizo al gerente y me presento:










—Soy Juan Alberto Vázquez, el primer reportero en México especializado en crónica teibolera.










—¿No me digas? A ver, espérame tantito…










El gerente, que se llama Ricardo y es un tipo sensacional, llama a gritos a uno de sus asistentes. Por un momento pienso que me van a sacar a la calle por farsante, pero para mi sorpresa el señor ordena:










—Ponle a este joven una silla frente a la pista, que va a formar parte del jurado.










De pronto el pequeño local —lleno hasta el último sillón de escotes pronunciados, piernas al aire y perfumes de embelezo—, se ilumina para mí. Todo sucede muy de prisa y en tres minutos ya tengo un whisky con soda, una hoja en la que pondré mis calificaciones y me hallo sentado en medio de un funcionario menor de Tlalnepantla y la hermosa Jimena Sánchez (incansable tuitera conocida bajo el nick @jimenaofficial fundadora del sexy-blog Mad Mamacitas), quien esta noche viene vestida como para infartar obispos. Mientras miro los tatuajes en la interminable piel de la bloggera e imagino los que esconde su escasa vestimenta, el manager presenta al jurado. Al mencionarme como el “reportero de la fuente table dance”, siento que por fin me hace justicia la Revolución. Algunas de las bailarinas que no concursan me miran intrigadas y una hasta me manda un beso. Al menos en lo que dura el evento me siento como parte del staff y no como un intruso al que buscarán despojar de sus ahorros.










Tantas madrugadas invertidas, decenas de miles de pesos gastados y una docena de artículos, entre crónicas y reflexiones, publicados bajo esta temática, recogen un simbólico fruto. Ya en la chamba, y valiéndome de mis conocimientos, juzgo que Mercedes, una rusa que trabaja en la sucursal San Ángel, tiene una cara angelical pero nulo conocimiento de la coreografía en tubo. La mujer más hermosa de esta y muchas semanas, pienso mientras brindo con Jimenita. Después llega el turno de Marla, de la sucursal Zona Rosa, y Ariadna, una ucraniana que trabaja en Santa Fe y practica tae kwon do. Cierra la primera tanda Julia, también de Solid Gold San Ángel.










En realidad poco hay qué comentar de las primeras rutinas, ya que ninguna de las leidis cuenta con las habilidades suficientes como para ser candidata al título. Hasta el momento lo más divertido del encuentro es la conducción de Ricardo el manager, locutor profesional que a ratos imita a Mario Vargas, aquella legendaria voz de WFM y Stereo 100, quien se especializó en exaltar la música disco. Más tarde, un representante de la empresa me aclara que desde su nacimiento, este club renegó de poner tubos en sus locales, pues los socios pensaban que “los acorrientaba”. Entonces, para organizar este evento hubo que romper el paradigma y poner a ensayar al elenco.






Para los últimos turnos saltó a la pista Aura, quien muestra un poquito más de destreza en el cilíndrico metal, pero la que mejores piruetas aéreas ensayó fue Karina, una rusa casi emo que trabaja en la misma sucursal de Londres, delgada, alta y distinguida, aunque no tan bella como la impresionante Mercedes. Para su fortuna era concurso de pole dancing, no de belleza.










No hubo mucho qué debatir con mis colegas, el funcionario de Tlane y Jimena la Mamacita. Sin duda la que más destacó fue esta última concursante, que se llevó los 5 mil pesos de premio, un trofeo, un tubo casero cortesía de X-Pole México, uno de los patrocinadores del show, y los aplausos de la concurrencia que de ese modo certificaron nuestra decisión.










El concurso no deja de ser un buen intento que de seguro irá agarrando forma en cuanto las bailarinas entrenen más enfocadas. Por mi parte, fue un honor ser su jurado, aunque al final tuviera que pagar por mis jaiboles. Ya qué.










Juan Alberto Vázquez

EN: http://impreso.milenio.com/node/8870086